Künstler Statement - Theodor di Ricco - Retramp Gallery

Künstler-Statement

Ein Interview mit dem Künstler Theodor di Ricco

Berlin 2026

Über Bildende Kunst

Louis

von Reich:        Die erste Frage. Die offensichtliche. Warum Gelb? Warum haben Sie sich für diese Farbe entschieden?

Theodor 

di Ricco:           Ich verwende die Farbe Gelb, um ein künstlerisches Konzept zu vermitteln, das ich zu einem               künstlerischen,  quasi-politischen Manifest weiterentwickelt habe – bekannt unter dem Akronym A.C.N.E.

L. v. Reich:        Gelb ist also die Farbe des Anti-Konstruktivistischen Neo-Errorismus. Habe ich das richtig verstanden?

T. di Ricco:        Richtig.

L. v. Reich:        Und welches Konzept steckt hinter A.C.N.E.?

T. di Ricco:       Vor über hundert Jahren schufen russische Konstruktivisten des jungen Sowjetstaates eine Ikonografie, um die Ziele der Revolution zu interpretieren. Zur Verbreitung dieser Ziele wurden grundlegende geometrische Formen und Farben eingesetzt. Etwa 50 Jahre später entwickelte sich mit der Dekonstruktion ein Gegenkonzept.

                                Laut Jacques Derrida, einem französischen Denker des 20. Jahrhunderts, entstand die                              Dekonstruktionaus der poststrukturalistischen Tradition der Literaturtheorie; diese betonte – im Gegensatz zum Strukturalismus – das ständige Gleiten und Schwanken der Bedeutung, das bei sprachlichen und kulturellen Sinnbildungsprozessen stets am Werk ist.

                       Weitere 50 Jahre später greift der A.C.N.E.-Künstler diesen Ansatz in seinem Werk auf: Er vermischt und verwischt die festen Bräuche, strengen Traditionen und moralischen Vorstellungen einer Gesellschaft, ohne dabei Rücksicht auf deren ursprüngliche Bedeutung zu nehmen – und begeht so bewusst einen „Fehler“. Im Gegensatz zu sogenannten „Edge-Lords“, die nihilistisch und empathielos sind, ist der A.C.N.E.-Künstler ein Romantiker, der eine gerechtere Gesellschaft anstrebt.

 

L. v. Reich:        Können Sie mir ein Beispiel für A.C.N.E. nennen?

T. di Ricco:         Wir können mit der Ampel beginnen. Eine Ampel bei Rot zu überqueren, kann – je nachdem, wo man sich befindet – bei Einheimischen für Unmut sorgen. Für den A.C.N.E.-Künstler stehen die Menschen über den Autos. 

              Ein umfassenderes Beispiel ist die Queer-Community: Sie hatte sich ursprünglich als absolut inklusiv aufgestellt, entwickelte sich dann aber zu einer exklusiven Gruppe. Sie gestalteten ihre Flagge und ihre Agenda um, verzichteten auf die Regenbogenfarben – ein universelles Symbol – und überluden ihre Bezeichnung schließlich mit so vielen sexuellen Identitäten, bis sie völlig überfrachtet und unaussprechlich wurde: L.G.B.T.Q.+ A.B.C. 

                        Dies zeigt: Wenn eine Gesellschaft einen gewissen Wohlstand erreicht, wendet sie sich gegen sich           selbst. Sie sucht ständig nach immer größeren und besseren Wegen zur Verbesserung. Wir haben kürzlich die Phase „Woke 1.0“ erlebt, in der Offensichtliches ignoriert wurde – nämlich die Tatsache, dass soziale und wirtschaftliche Ungleichheit, Rassismus, Sexismus und Faschismus nach wie vor existieren. Indem sie ihre Identität immer weiter aufspalteten, haben sie sich letztlich selbst besiegt.  

L. v. Reich:         Bevor wir zu politisch werden: Welche Rolle spielt die Farbe Gelb?

T. di Ricco:      Gelb weckt viele Gefühle, von denen viele positiv sind. J. W. von Goethe schrieb: „Aus der Erfahrung wissen wir, dass Gelb einen warmen und behaglichen Eindruck hervorruft ... Das Auge wird erfreut, das Herz erweitert und aufgeheitert, ein Glanz scheint uns unmittelbar entgegenzustrahlen.“ 

                   Für mich ist Gelb die Farbe des Glücks. Das Sonnenlicht, das wir sehen, liegt im gelben Spektrum. Die Zapfen und Stäbchen im menschlichen Auge verarbeiten drei Farben: Rot, Blau und Grün. Gelb wird vom Gehirn daher über die grünen Zapfen wahrgenommen. Da Gelb allgegenwärtig ist, wird es nicht bewusst wahrgenommen – es ist einfach da. Ähnlich verhält es sich mit dem Streben nach Glück, das einen allgegenwärtigen gemeinsamen Nenner für alle Menschen darstellt.

L. v. Reich       Mir ist in Ihren Arbeiten ein Baumsymbol aufgefallen – wenn ich es so nennen darf –, das Sie über die Jahre hinweg immer wieder aufgegriffen haben. Woher stammt es?

T. di Ricco         Aus dem, was fehlt.

L. v. Reich:         Und was ist das?

T. di Ricco:    Ein internationales Symbol für Glück. Ich habe mich für die geometrischen Formen eines nach oben gerichteten Dreiecks und eines darunterliegenden Quadrats entschieden. Diese Formen lassen sich als Baum, als Pfeil oder als zweidimensionale Pyramide deuten. 

                        In unserer heutigen Ikonografie gibt es universelle Symbole für Liebe und Frieden, aber keines für Glück – abgesehen vielleicht vom „Smiley“, den ich jedoch für unpassend halte. Bei Glück geht es nicht ums Lächeln, sondern um Sicherheit und Stabilität. Ich fand, es war an der Zeit, dass ein Künstler ein passendes Symbol dafür entwirft – und genau das habe ich getan. Der Baum bietet Schutz, der Pfeil weist den Weg nach draußen oder hinein, und die Pyramide ist ein Symbol für Beständigkeit.

L. v. Reich:         Warum haben Sie sich entschieden, Künstler zu werden?

T. di Ricco:       Ich habe mich schon immer künstlerisch betätigt, solange ich zurückdenken kann. Früher habe ich mich immer gefragt, was Künstler wohl meinen, wenn sie so etwas sagen. Heute weiß ich es. Wir alle sind Künstler innerhalb der Struktur einer Gesellschaft. Der Unterschied ist, dass ich mich entschieden habe, als bildender Künstler zu leben und dies zu meinem Beruf zu machen.

L. v. Reich:         Warum haben Sie sich dann für diesen Beruf entschieden?

T. di Ricco:    Er stellte für mich eine Herausforderung dar, an der ich wachsen konnte. Ich bin in einem Umfeld aufgewachsen, in dem ich durch starre Glaubensvorstellungen manipuliert wurde. Der Druck zur Konformität ist enorm. Schon früh erkannte ich, dass es Alternativen gab. Ich machte mich auf die Suche und fühlte mich zu Gleichgesinnten hingezogen – meist waren das Weise, Schamanen, Freaks und Künstler. Es tat gut zu wissen, dass ich nicht der Einzige war, der am Status quo und an der sogenannten freien Welt zweifelte. Als ich mich erst einmal gelöst hatte, gab es kein Zurück mehr.

L.v. Reich: In Ihrem Werk erkenne ich Einflüsse von Minimalismus, Fluxus und Pop-Art.

T. di Ricco: Das ist es, was ich an der Kunsthochschule gelernt habe, und das entsprach dem damaligen Zeitgeist. Ja, ich mag die Schlichtheit geometrischer Formen; ich finde Gefallen daran, Objekte zu entdecken und ihnen eine neue Bedeutung zu verleihen, und ich bin fasziniert davon, wie Werbung eingesetzt wird, um potenzielle Käufer zu manipulieren. Ich liebe Farbe und Form in ihrer Reinheit. Deshalb verzichte ich auf figurative Malerei. Ich wollte so nah wie möglich an der Abstraktion bleiben. Außerdem ist die Malerei tot.

L.v. Reich: Glauben Sie das immer noch?

T. di Ricco: Nicht wirklich. Doch sobald dieser Fernsehbildschirm an der Wand montiert war, wurde ein weiterer Nagel in den Sarg geschlagen. Ich bin fest davon überzeugt, dass die Performance-Kunst die Kunstform des 21. Jahrhunderts ist. Es steht uns frei, zu betrachten, was wir wollen, denn wir haben ein „Gemälde“, das sich nun bewegt, und eine Fernbedienung, mit der man es steuern kann. Für den Performance-Künstler ist dies das Mittel und die Möglichkeit, diesen Raum zu füllen.

L. v. Reich: Wir reden über Performance Kunst später. Vorher möchte ich Sie fragen wie sehen Sie den Kunstmarkt?

T. di Ricco: Der vom Künstler verkörperte alternative Lebensstil wird bis zu einem gewissen Grad toleriert und respektiert. Wenn die Lebensqualität in der Gesellschaft insgesamt abnimmt, suchen manche Menschen nach Alternativen. Gerade der Künstler fungiert als Quelle für solche Alternativen. Für dieses Privileg rückt der Künstler jedoch in den Fokus der Gemeinschaft und muss geschickt zwischen den verschiedenen Seiten agieren, um weiterhin respektiert zu werden und zu überleben. Aktuelle Beispiele hierfür sind Isa Genzken, Louise Bourgeois und Yayoi Kusama. So verhält es sich auch mit dem Kunstmarkt.

L. v. Reich: Die Kunstwelt hat sicherlich noch mehr zu bieten als das.

T. di Ricco: Ja, das stimmt, und genau deshalb finde ich die Kunstwelt so faszinierend und zugleich undurchschaubar. Es geht auch um Wertzuweisung. Dabei spielen viele Faktoren eine Rolle. Leider steht Qualität dabei nicht an erster Stelle. Kurz gesagt: Beziehungen helfen, den Wert zu steigern. Jetzt hast du mich erst richtig in Fahrt gebracht. 

Man darf auch die Kunstakademie nicht vergessen. Dort treffen Künstler, Galeristen, Sammler und Kunsthistoriker auf Kunstprofessoren. Es ist ein geschlossenes System, das sich selbst erhält. Später profitieren sie voneinander und ziehen Nutzen aus ihrer gegenseitigen Vertrautheit.

L. v. Reich: Sie haben eine Kunsthochschule besucht. Warum verfügen Sie dann nicht über diese Kontakte?

T. di Ricco: Ich habe die Kunstschule des Lebens besucht. Ich habe mich mit Kunst beschäftigt, mich durch Museumsbesuche inspirieren lassen, mit Künstlern zusammengelebt und Kunst-Veranstaltungen organisiert. Ich habe ein Buch mit dem Titel „Kranken Sakramente“ geschrieben, das ich als meine künstlerische Dissertation betrachte. Ich bin ein Outsider-Künstler – nicht, weil ich es sein will, sondern weil ich als Künstler außerhalb des akademischen Betriebs existiere. Das ist eine zusätzliche Hürde, weil ich meinen eigenen Weg gehen wollte.

L. v. Reich: Wie sehen Sie sich selbst als Pop-Künstler?

T. di Ricco: Der Pop-Künstler ist bis zu einem gewissen Grad ein Opportunist. Ich nutze Elemente der Popkultur, um den Wert meiner Kunstwerke zu steigern. In der Welt des Kommerzes muss man dafür sorgen, dass die Leute über einen reden. Ich selbst bediene mich einiger Kniffe. Ich weiß, dass die Menschen eine gewisse Sammel-Macke haben. Sie lieben es zu sammeln. Sie verspüren das Bedürfnis, den Grad der Vertrautheit zwischen sich und der Welt zu bestimmen. Sich mit einem gemeinsamen Element zu befassen oder dieses zu teilen, vermittelt ihnen ein Gefühl der Verbundenheit.

                              Diesen Ansatz übertrage ich auf die Kunst-Karten, die ich anfertige. Seit vier Jahrzehnten schaffe ich       kleine Arbeiten auf Papier oder Collagen im Postkartenformat. Ich lege sie als Serie an. Die Stücke, die mir persönlich am besten gefallen, behalte ich; den Rest verkaufe oder verschenke ich. Kunst für die breite Masse, die man sammeln kann – ähnlich wie bei Pokémon- oder Panini-Sammelkarten.

L. v. Reich: Sie behaupten, mehr Werke verkauft zu haben als Picasso.

T. di Ricco: Das habe ich. Die rund 10.000 Werke sind auf meinem Google-Blogspot-Blog dokumentiert. Jeder, der eine Kunst-Karte erwirbt, wird zum Sammler – und davon gibt es mittlerweile über 550.

L. v. d. Reich   Wie kam es dazu, dass Sie Ihre Kunst-Karten entworfen haben?

T. di Ricco Es begann in Paris, wo ich vier Jahre lang Kunst studierte, bevor ich 1985 nach Berlin zog. Ich wollte Freunden und Familie etwas Persönliches schicken – nicht immer nur einen Brief schreiben. So fing ich an, meine eigenen Postkarten bzw. Kunst-Karten zu gestalten. Daraus entwickelte sich ein Arbeitsprozess, bei dem ich Serien schaffe, die man schließlich als Ganzes sammeln kann. Ich finde, das ist eine pfiffige Idee.

Über das Schreiben

L. v. Reich: Sie schreiben viel?

T. di Ricco: Schreiben ist ein unglaubliches Medium. Ich schreibe oft in erzählerischer Form, um Ungerechtigkeiten, die mich betreffen, zu verarbeiten. Das eigene Leben bietet mehr Drama als Netflix oder Disney – außer natürlich, man steckt gerade selbst mittendrin. Einige meiner Geschichten lösten einen Skandal aus, weil ich – ganz im Sinne des A.C.N.E.-Konzepts – die Namen meiner Protagonisten nicht geändert habe.

Über Performance-Kunst

L. v. Reich: Lassen Sie uns über Ihre weiteren künstlerischen Aktivitäten sprechen. Sie sind auch als Performance-Künstler tätig. Mir wurde erzählt, dass Sie seit Jahrzehnten gelbe Kleidung tragen – als fortlaufende Performance.

T. di Ricco: Ich begann 1991 damit, Gelb zu tragen. Ich präsentierte damals eine Spoken-Word-Performance, in der ich dem Publikum verkündete, dass Gelb die Farbe der 1990er Jahre sei. Wenn ich diese Botschaft schon verbreitete, wollte ich sie auch verkörpern. Gelb ist zu meinem künstlerischen Markenzeichen geworden, durch das ich international bekannt bin. 

Ich möchte zudem vorab anmerken, dass Performance-Kunst darin besteht, Kunst im Augenblick des Geschehens zu erschaffen – indem ich mich in den Alltag begebe: gelb gekleidet in der U-Bahn, bei einer Vernissage oder wenn man mich von oben sieht, wie ich einen Platz überquere. Ich konfrontiere die Menschen mit meiner Erscheinung. Manche nehmen Notiz davon, und noch weniger fragen nach dem Warum.

Dadurch, dass ich seit über dreißig Jahren konsequent gelbe Kleidung trage, ist dieses „Gelbsein“ für alle, die mich oder meine Eigenart kennen, zu einem gemeinsamen Bezugspunkt geworden. Wenn sie Gelb sehen, denken sie an mich. 

Wie bereits erwähnt, müssen Menschen die Grade der Vertrautheit zwischen sich ausloten. Das Erleben oder Teilen eines gemeinsamen Elements schafft ein Gefühl der Verbundenheit – und genau das ... ist meine Kunst.

L. v. Reich: Es gibt also keinen besonderen tieferen Grund, warum Sie sich für Gelb entschieden haben?

T. di Ricco: Nein. Auch wenn alle Entscheidungen politisch sind, wähle ich Gelb nicht, weil es für mich ein religiöses oder philosophisches Konzept oder eine sexuelle Praxis symbolisiert. Ich wähle es aufgrund seiner ästhetischen Wirkung: Indem ich mich gelb kleide und mich in eine bestimmte Umgebung begebe, werde ich zu einem gelben Pinselstrich im visuellen Fluss des Lebens. 

                               Meine Auseinandersetzung mit der Farbe Gelb besteht bis heute vor allem darin, mir von anderen erzählen zu lassen, welche Assoziationen die Farbe bei ihnen weckt. Letztendlich gilt: Man kann den Mann zwar aus Kalifornien herausholen, aber Kalifornien nicht aus dem Mann. Berlin ist grau, und die Wahl von Gelb hilft mir, meine eigene Stimmung und die meiner Mitmenschen aufzuhellen. 

                             Außerdem muss ich zugeben, dass das Tragen von Gelb eine ganze Reihe positiver Aspekte mit sich bringt, an die ich gar nicht gedacht hatte, als ich anfing, mich monochrom zu kleiden.

L. v. Reich: Zum Beispiel?

T. di Ricco: Ich kaufe kaum Kleidung mehr. Die Leute schenken mir ständig dieses eine schräge gelbe Teil, das sie       mal gekauft und kaum getragen haben. Jede Menge Hemden und gelegentlich auch Hosen. Am schwierigsten sind gelbe Schuhe. Die muss ich selbst kaufen.                                                                       

Außerdem macht es mein Leben einfacher. Ich muss mir keine Sorgen machen, dass Farben beim         Waschen ausbluten, und ich muss nicht lange darüber nachdenken, wie ich verschiedene Stile kombiniere. Wenn ich eine Farbe wählen muss, nehme ich die gelbe Zahnbürste. Und schließlich gehe ich in einer Menschenmenge nie verloren.

L. v. Reich: Sie sind sicher nicht der Einzige.

T. di Ricco: Nein, aber wir sind selten. Ich bin derjenige, der seine Farbwahl zur Performance-Kunst erklärt hat. Es      gibt         jedoch drei Berliner Künstler, die sich monochrom kleiden: Amy Klement trägt Grün, Alain Jadot Weiß und christA Frontzeck Rot.

L. v. Reich:            Du verwendest bei einigen deiner Arbeiten das Pseudonym „GoGo Sunshine“. Woher kommt dieser       Name?

T. di Ricco: Ursprünglich wurde ich von einer Lesbe auf den Namen „Homo Sunshine“ getauft. Später änderte ich ihn in „GoGo Sunshine“, weil ich jedem erzähle, ich sei professioneller Go-Go-Tänzer – wenn auch der älteste. Meiner Ansicht nach animieren Go-Go-Tänzer das Publikum. Sie sind dazu da, die Party in Schwung zu bringen. Genau so betrachte ich einen Teil meiner künstlerischen Arbeit.

Meine Aufgabe ist es, auf der Party zu arbeiten. Um die Galeriekultur zu feiern, organisiere ich Kunstveranstaltungen und kleide mich in Gelb. Ich tanze herum, genieße den Austausch mit intelligenten Menschen, das Networking und das Knüpfen von Kontakten. Das unterscheidet sich gar nicht so sehr von der Arbeit eines Go-Go-Tänzers. Ein Go-Go-Tänzer erfährt wenig Anerkennung, ist aber dennoch ein wertvolles Mitglied der Gesellschaft. Sie sind die Kuppler, die gesellschaftlichen Akteure – wie zum Beispiel, die DJs.

L. V. Reich: Wie fassen Sie das zusammen, was Sie als Performance-Künstler erreicht haben?

T. di Ricco: Ich betrachte meine Performance-Kunst als Spuren im Zeitgeist. Wenn ich auf mein bisheriges Werk zurückblicke, verstehe ich, warum es notwendig war, diese Arbeiten zu jener Zeit zu schaffen. Ich erkenne den roten Faden, der sich durch jede meiner ausgestellten Performances zieht. 

Jede dieser Aktionen beinhaltet eine politische, spirituelle und ästhetische Aussage. Für mich steht fest: Wenn ich eine Handlung vollziehe und sie als Kunst bezeichne, dann muss die Botschaft relevant und das Erlebnis bemerkenswert sein. Das Ziel des Performance-Künstlers ist es, den Menschen zu vermitteln, wie man durch Kunst überleben kann.

L. v. Reich: Wir haben die Gallery SoToDo noch gar nicht erwähnt. Warum haben Sie diese Initiative ins Leben     gerufen?

T. di Ricco: Die Gallery SoToDo ist mein Beitrag zur Gesellschaft. Wenn man etwas erledigt haben will, muss man es selbst in die Hand nehmen – also „to do“ (zu tun). Sie war meine Antwort auf den Mangel an kreativen, zeitgenössischen Impulsen in Sacramento, der Stadt, in der ich aufgewachsen bin. Aber ich war sicherlich nicht der Erste.

Künstler haben sich schon immer zusammengeschlossen, um ein alternatives Bewusstsein zum Ausdruck    zu bringen; sie handeln auf romantische Weise, ohne zu wissen, wie oder ob ihre Ideen und Taten ihre Mittel im Nachhinein rechtfertigen könnten. Im weiteren Verlauf wird ihr kollektives Bewusstsein durch ihre eigene Rechtfertigung institutionalisiert. Happenings, Aktionskunst und Fluxus sind zeitgenössische Beispiele für Performance-Kunst.

L. v. Reich: Wie hat sich die Gallery SoToDo entwickelt?

T. di Ricco: Ich habe SoToDo als Organisation zur Förderung zeit-genössischer Kunst ins Leben gerufen. Anstatt „Gott zu spielen“, lud ich alle ein. Der Einladungsprozess verlief organisch: Die Künstler der ersten Stunde wurden erneut eingeladen oder konnten ihrerseits weitere Personen hinzuziehen. Im Laufe von 30 Jahren fanden 36 Veranstaltungen unter Beteiligung von mehr als 500 internationalen Künstlern statt. Die Gallery SoToDo entwickelte sich zu einem Maßstab für die Organisation und Präsentation von Performance-Kunst.

L. v. Reich: Wie?

T. di Ricco: Ich habe das so gemacht, dass ich die Künstler mindestens neun Monate im Voraus eingeladen habe. So hatten sie Zeit, sich um eine Finanzierung zu kümmern, da sie selbst für ihre Reisekosten aufkommen müssen. Die Teilnahme erfolgt nach dem Prinzip „Wer zuerst kommt, mahlt zuerst“. 

Um die Kontakte zu vertiefen, bringe ich die Gastkünstler privat bei einheimischen Künstlern unter und    achte darauf, dass wir alle mindestens zweimal täglich gemeinsam essen. Außerdem sage ich zu, eine Dokumentation des Kongresses in Form eines Katalogs oder Videos zu erstellen. 

In der Realität lässt sich mit Performance-Kunst kein wirkliches Geld verdienen. Es ist eine     Herzensangelegenheit. Mir wurde auch klar, dass ich einen Kongress organisierte, weil die Präsentation von Performance-Kunst kein typisches Festival-ereignis ist.

L. v. Reich: Wie definieren Sie Performance-Kunst auf der Grundlage Ihrer Erfahrungen?

T. di Ricco: Performance-Kunst existiert seit Anbeginn der Zivilisation. Der Mensch lernte, sozial zu agieren, um zu überleben. Performance-Kunst dient dazu, gewonnene Erkenntnisse oder vollbrachte Taten zu vermitteln. 

Performance-Kunst definiert sich über die Elemente Zeit, Raum, Wandelbarkeit und Zeitgeist. Sie              vermittelt eine Botschaft auf ehrliche und authentische Weise. Performance-Kunst ist der Akt, Kunst im Augenblick zu erschaffen.

L. v. Reich Welchen Stellenwert hat die Performance-Kunst in Ihrer Arbeit?

T. di Ricco     Performance-Kunst wird von dem Künstler, der sie präsentiert, als solche deklariert und von dem                 Betrachter, der sie erlebt, als solche verstanden. Sie hat weder einen Anfang noch ein Ende. Sie geschieht einfach. In meinem Fall erfüllt das Tragen gelber Kleidung diese Definition.

L. v. Reich: Wie hat sich die Performance-Kunst entwickelt?

T. di Ricco: Jeder darf Kunst machen, doch nur wenige wagen es. Kurz gesagt: In jeder Gesellschaft gibt es Narren, Schamanen, Weise und Künstler, die sich durch die Wahl einer alternativen Lebensweise von der Masse abheben. Diese Personen fungieren innerhalb der Gesellschaft als Ventil, indem sie Konzepte und Ideen zum Ausdruck bringen, die das Spektrum des gesellschaftlichen Bewusstseins und Handelns aus-balancieren. 

Künstler geben durch ihr künstlerisches Schaffen ein Beispiel dafür, wie man leben kann. Diese      gesellschaftliche Struktur hat eine Situation geschaffen, in der sich viele Menschen damit begnügen, anderen zu folgen – wenn auch oft auf mechanische Weise –, und von der Verantwortung entbunden sind, selbst zu entscheiden, wie sie Kunst schaffen oder ihr Leben gestalten wollen. 

Dies zeugt zudem von einer kollektiven Disziplin – sowohl seitens der Künstler als auch des Publikums –, um einen Zustand zu verhindern, in dem jeder nur für sich selbst lebt (und Kunst schafft); kurz gesagt: einen Zustand der Anarchie.

L. v. Reich: Jeder Künstler fragt sich irgendwann einmal, warum er eigentlich Kunst macht. Wie lautet Ihre Antwort?

T. di Ricco: Ich bin schon lange genug in diesem Bereich tätig, um die Antwort zu kennen. Es ist das Gesamtwerk,das ich geschaffen habe, sowie die Erfahrungen und Kontakte im Laufe meiner Karriere, die alle Zweifel daran ausgeräumt haben, warum ich mich für diesen Beruf entschieden habe. Letztendlich ist die einfache Wahrheit: Ein erfülltes Leben ist die beste Rache.

L.v. Reich: Nun, mit diesem Gedanken im Hinterkopf danke ich Ihnen herzlich für dieses aufschlussreiche             Gespräch.Auf geht’s!

T. di Ricco: Es war mir ein Vergnügen.